Я бы хотел попросить всех кто интересуется электронной музыкой принять участие в этом разделе. Предлагаю собирать здесь всякую интересную и полезную информацию о электронной музыке всех направлений.
По уже сложившейся традиции "инициатива бывает наказуемой", я бы хотел предложить небольшую подборку интересных материалов.
Всемирная история электронной музыки.
Электронная музыка стала частью нашей современной жизни. Вряд ли кто-то станет оспаривать этот факт. Сейчас не найти ни одной серьёзной музыкальной группы, вне зависимости от жанра или направления, не использующей в своём творчестве электронные инструменты. Записи альбомов происходят с помощью высококлассных электронных технологий. На концертах музыканты пользуются тоннами электронного оборудования. Революция свершилась!
Революция? Вот именно! Борьба, растянувшаяся на долгие десятилетия теперь уже в прошлом. Вопрос: «Использовать ли электронные технологии в моей музыке?» сегодня неактуален.
Так было не всегда. Ещё лет двадцать-тридцать назад электронная музыка была чем-то необычным, если не сказать маргинальным. В пятидесятых годах двадцатого века она была уделом немногочисленных музыкантов-экспериментаторов. До этого – развлечением инженеров.
Так когда же появилась электронная музыка? В прошлом ли веке, или, может быть, ещё раньше? На этот вопрос нельзя ответить однозначно. В конце концов, электронный способ создания звука – одна из форм музыкального эксперимента, многим из которых уже немало столетий. Мысленно вернёмся в далёкое прошлое…
Удивительно, но даже в эпоху расцвета «классики», так горячо презираемой современными электронщиками многие музыканты экспериментировали с музыкальной формой, создавая подчас удивительные в своей оригинальности произведения. Несколько ярких примеров.
Итак, на дворе тысяча семьсот восемьдесят седьмой год. Известный всем Вольфганг Амадей Моцарт предлагает абсолютно уникальный способ создания музыки, названный «Musikalisches Wurfelspiel» (Музыкальная игра в кости). Это действительно было не больше чем простой забавой, тем не менее позволявшей создавать полноценную музыку. Полученная музыкальная композиция состоит из огромного числа малых фрагментов, по восемь долей каждый. Уже становится интересно, ведь это поразительно напоминает секвенсорную электронную музыку. Единственное отличие - в секвенции (фрагменте) используется восемь долей вместо привычных шестнадцати. Но всё необычное только начинается! Для «формирования содержимого» секвенций Моцарт предложил воспользовался … обычным игральным кубиком. После броска, «музыкант» выбирал секвенцию из специальной таблицы. Схожесть со степ-секвенсором всё увеличивается. Ещё больше это напоминает популярные ранее компьютерные «музыкальные игрушки» типа Dance Mashine. Кстати, говоря с некоторой долей юмора, известную настольную игру Dungeons & Dragons вполне можно считать потомком этой замечательной "забавы".
К великому сожалению, игра не была издана при жизни Моцарта. Впервые общественность узнала о ней лишь в 1793 году, после публикации правил в немецком журнале «Journal des Luxus und der Moden».
Современные технологии помогут вам в полной мере насладиться созданием музыкальных произведений по правилам Моцарта. Достаточно лишь посетить веб-страничку http://sunsite.univie.ac.at/Mozart/dice/ . Здесь можно вдоволь «наиграться», меняя параметры «игры» и слушая получившийся результат. Его, кстати, можно сохранить в виде MIDI-файла и использовать в своих аранжировках.
Эксперименты по созданию нового типа музыки продолжались. В 1830 году Роберт Шуман создаёт необычное произведение Abegg Variations. Использованный в нём принцип построения музыки позже назовут soggetto cavato («выгравированная тема», итал.). Музыка строится на основе каого-то слова или фразы. Гласные звуки слова (фразы) превращаются в опорные точки мелодии по следующему принципу: «a» соответствует ноте фа или ля, «е» - ре, «i» - ми, «о» - соль и , наконец, «u» - до. Композиция Шумана была построена на основе фамилии его продруги - «Abegg». В дальнейшем Шуман не прекращает использовать свой экстравагантный способ создания музыки. В 1935 году выходит Carnaval, затем серия фуг – новые примеры «буквенной музыки».
Уже в это время появились ростки противоречий между классическими композиторами и экспериментаторами. Третьего апреля 1834 года начинает выходить журнал Шумана Die neue Zeitschrift fur Musik, призывающий композиторов забыть наследие классиков Моцарта и Бетховена и следовать веяниям нового времени. Во многом именно благодаря «подрывной работе» Шумана всё больше музыкантов переходили к экспериментам с музыкой.
Роберт Шуман не дожил лишь три года до знаменательного события – появления в 1959 году телеграфа, использовавшего некоторое подобие фортепианной клавиатуры для набора сообщений. А в 1876 году идея получает логическое развитие – Элиша Грей (Elisha Gray), изобретает полноценный электронный музыкальный инструмент с фортепианной клавиатурой. Более того, «музыкальный телеграф» или электрогармоника (Electroharmonic) Грея была способна передавать музыку через телефонный кабель.
Элиша Грей также известен как изобретатель телефонной связи. Тем не менее, официальным создателем телефона считается Александр Грегхем Белл (A.G.Bell). Как же так? Удивительный и поучительный факт: Белл запатентовал своё изобретение всего на один час раньше Грея и тем самым вписал своё имя в историю! Тем не менее, Грея помнят за создание «первого электронного музыкального инструмента», что, возможно, ничуть не менее достойно.
В 1877 году Томас Эдисон (Thomas Edison) изобретает фонограф – первое устройство для записи звука. В качестве носителя Эдисон использует железный цилиндр, покрытый слоем парафина. Роль звукоснимателя играет металлическая игла, передающая свои колебания усилительному рупору.
Одновременно с Эдисоном аналогичный способ записи звука предлагает Эмили Берлинер (Emile Berliner). Однако её аппарат способен работать как с циллиндрическим валиками Эдиссона, так и с круглыми пластинами. В будущем в изобретение внесут некоторые изменения и появится проигрыватель виниловых дисков, невероятно популярных у клубных диджеев.
Уже упомянутый Эдисон является также изобретателем первой в мире лампы накаливания. До этого обычно использовались лампы на дуговом разряде. Такая лампа представляет собой два графитовых электрода; при возникновении между ними напряжения появляется дуговой разряд, излучаюший свет. Подобные источники освещения имели много недостатков, но главным из них был постоянный шум при работе.
В 1899 году Вильям Дуддел (William Du Bois Duddell) начинает искать способ избавления от шума. Во время своих экспериментов он замечает, что звук лампы меняется при изменении напряжения между электродами. Вдохновлённый открытием, Дуддел подключает к лампе фортепианные клавиши. Таким образом впервые был создан электронный музыкальный инструмент, не требующий дополнительных усилителей звука, в отличие от электрогармоники Грея.
Впрочем Дуддел был не слишком заинтересован в продолжении изучения методов создания звука с помощью дугоразрядных ламп. Поэтому он передаёт своё изобретение Лондонскому Институту Электроники (London institution of Electrical Engineers), даже не позаботившись о патентовании разработки. Сотрудники института продолжили изучение ламп и пришли к выводу, что любая лампа способна к созданию звука.
Возникла очень интересная идея. Дело в том, что в Лондоне того времени всё освещение было построено исключительно на основе дугоразрядных ламп. Был предложен необычный проект, по которому весь город должен был превратиться в один огромный синтезатор звуков. Однако из-за проблем с властями идея не была реализована.
Тем не менее, изобретение Дуддела оказало большое влияние на развитие науки. В будущем на основе дугоразрядной лампы создадут первый радиопередатчик, а Теадеус Кэхил (Thadeus Cahill) воспользуется ей при демонстрации своего нового музыкального инструмента Тельгармониум. Но об этом в следующей части.
Продолжение следует....
Последний раз редактировалось: M. B. K. (Ср Сен 14, 2005 08:12 am), всего редактировалось 1 раз
Теперь ещё немного истории, но уже больше по разделам.
House
В середине 80-х в Чикаго возник новый вид танцевальной музыки - хаус. Он просто появился. Десять лет спустя он кажется обычным и привычным, однако тогда он действительно был внове. Эта музыка была создана для танцев, и в ней использовались новые электронно-музыкальные инструменты. Тогда она была андерграундной и притягивала к себе самых ультрасовременных законодателей моды. Hекоторые записи тех времен до сих пор звучат интересно современно, другие же, наоборот, почили в бозе, и никто больше о них не вспоминает. Hазвание происходит от клуба Warehouse (склад). Именно там чикагские ди-джеи впервые попробовали микшировать синглы группы Kraftwerk со звуком кардинально нового для того времени устройства под названием драм-машина. Они обращались к традициям андеграунда и лучшие современные треки все еще звучат несколько "андеграундно", возможно также из-за качества записи. Корни этой музыки - диско. Характерным является ритм дискотеки, свинговое звучание, заводные мелодии и общее настроение радости и веселья. Одним словом - музыка для счастливых. Структура классического хауса весьма проста: стандартныйразмер 4/4 и не очень быстрый темп (порядка 120BPM). Hа вторую и четвертую четверть обычно попадает "сольник" или клэп, на каждую шестнадцатую долю звучит хэт (в промежутке между бас.бочкой). Хаусовые треки, как правило,наполнены яркими и красивыми пассажами, мажорными аккордами и простыми, но запоминающимися мелодиями. Корни стиля идут от такой музыки, как диско и соул.
Garage
В то время как чикагские ди-джеи экспериментировали с драм- машиной нью-йоркские ди-джеи в стенах клуба Paradise Garage под руководством Larry Levan родили другое, не уступающее в популярности на танцполе хаусу направление - garage (по названию клуба). Большой вклад в дело строительства гаража внесли также музыканты из Hью-Джерси. Hа дворе стояла середина восьмидесятых.
Garage - это глубокая клубная музыка с корнями в ритм-н- блюзе.Зачастую музыка garage строится по следующей схеме: на вторую и четвертую четверть идет клэп, хэт на восьмые ноты и аккорды либо экспрессивные темы на пианино, а также свинговый или госпел.вокал для эмоциональности. Hаиболее яркие представители: Rosie Gaines , Ce Ce Peniston, а также примадонна британского отделения garage - Ultra Nate.
Speed Garage
1996 год, а особенно 1997 стали временем рождения и активного разрастания speed-garage в музыкальном мире. Сначала Соединенные Штаты, затем Страна техно-андерграунда - Англия, и вскоре весь мир стал двигаться под ритмы speed-garage. Здесь стоит пояснить, что speed-garage уже в начале стали ассоциировать с новым рождением американской традиционной хаус- музыки. Такие музыканты и ремиксеры, как Todd Terry, Mousse T, Mood II Swing, Boris Dlugosch, Todd Edwards, принесли новое звучание музыке garage, которое любят называть speed-garage. Nднако есть еще одна ветвь и гораздо более конкретная и интересная нам - это стиль, пионером которого, считают старого доброго Armand van Helden. Холодная весна 1997 года подарила нам ремикс на Sneaker Pimps "Spin Spin Sugar". Это стало началом специфического экспериментального хауса, который из экспериментального быстро перерос в мощное танцевальное движение, по праву названное модным словечком speed-garage.
Характеризующие черты - басс-линия, буквально оккупирующая передний план музыкальной картинки и задающая энергичную подкачку ритма и атмосферы на танцполе, и именно благодаря этой черте speed-garage стремительно популязируется по всему миру. Кстати, наверное, поэтому некоторые называют speed- garage "танцевальной смесью хауса и джангла". Вокал более электронный , чем в garage (обработан вокодерами и другими фильтрами). Еще одна черта speed-garage - это многочисленные и/или продолжительные участки на которых отсутствует бит и которые иногда служат прелюдией ко второй части композиции, заставляя танцующих взбодриться нарастающей волной перебивки и накалением атмосферы на танцполе).
Speed Garage является отличным клубным танцевальным гибридом старого и нового и уже сейчас по-немногу штурмует отечественные тацполы, но очень вяло из-за самой характерной черты нашего народа - чрезмерного консерватизма к танцевальной музыке.
Cамые ярко-выраженные примеры : Mousse T , Armand van Helden , Todd Terry , Double 99 , Ultra Nate , 187 Lockdown , Serious Danger .
Deep House
“Глубокий хаус" - стиль, появившийся на стыке "старого" чикагского хауса и госпела. Переполнен мелодиями, построенными на старых (и всеми любимых) аккордных прогрессиях, сыгранных призрачным звуком электрооргана. Дип Хаус - это прежде всего хаус, а уж потом - глубокое звучание инструментов.
Acid House
Второе чикагское поколение экспериментировало с более психоделическим звуком несколько ускоренного синтезатора Roland TB303. Этот инструмент является культовым, именно ему эйсид хаус обязан своим необыкновенно теплым, "фанковым" звучанием.
Отличается от других хаусов более высоким темпом и отсутствием вокала. Вероятно "Эйсид гимном" являются кислотные треки от Phuture.
В самом конце восьмидесятых этот стиль уходит в глубокий андеграунд, чтобы создать новые стили - очень-очень быстрый хардкор, дип эйсид, усыпляющий сознание (но не ноги) транс и габбу - очень-очень-очень быструю производную хардкора (за 200 ударов в минуту).
Trance
Это нечто среднее между амбиентом и эйсид-хаусом. Транс значительно безопаснее для барабанных перепонок, чем любое техно, но под него можно отлично танцевать. Цель этой музыки - перенести тебя в другие миры посредством движения. Пластичный и четкий, очень "космический", транс редко преодолевает отметку "150 bpm" (150 ударов в минуту).
Club House
Эти ответвление пришло в начале 90-х, когда волна коммерческой музыки захлестнула Европу. Также как в 80-х диско называли типично клубной музыкой, в 90-х сформировалось направление, единственной целью котрого было заставить людей танцевать (читай потреблять такую музыку). Говоря проще,основа осталась той же, что была описана в начале данного повествования, однако были удалены все неблагозвучные мелодические сочетание, вокал сделался более "сладким", "сложные" для восприятия рядового слушателя синкопы также были отброшены. В результате получилась простенькая и доступная музыка с незатейливым ритмом и простой аранжировкой. Hекоторые разновидности такой музыки еще называют handbag (название пошло от своего рода танца, который исполняют на танцполе маленькие девочки вокруг своих рюкзачков).
Hаиболее интересной формой клубного хауса можно считать mellow, в котором используется чистый релаксационный бит и соответствующие звуки.
Progressive House
Прогрессив - это разновидность хауса. Полное название - Progressive House. Появилась эта музыка в последние годы. Характеризуется наличием симпатичной заводной мелодии и битом в 120 - 130 bpm.
Почему прогрессивный - не знает никто, просто так один из музыкальных журналов попытался выделить это звучание. Вероятно прогрессивность заключается в возврате к традициям стабильного бита и мелодичности хауса.
Как бы то ни было прогрессив сегодня наверное самая популярная у нас на танцполе музыка, впрочем и самая коммерческая. Прогрессив - стиль большинства танцевальных проектов популярных европейских исполнителей - Quicksilver, Sash, Red5, Brooklyn Bounce и др. Особо можно выделить итальянскую трактовку прогрессивности - так называемый Dream House, он же Средиземноморский Прогрессив /Mediterranean Progressive/, представленный Gigi d'Agostino, Robert Miles и др.
French House
French house это в принципе тот же хаус (то есть присутствует классический хаусовый саунд), однако сюда добавлены и элементы из других стилей современной электронной музыки. Типичным представителем french house является французская команда daft punk, музыка которой сочетает в себе элементы хауса и техно.
Techno
Термин техно используется для большого количества видов электронной музыки. Особый, нетанцевальный аспект может быть найден в отдельном направлении техно - эмбиент, на треках лейбла WARP. Другой вид многих стилей - детройтское техно. Подобно хаусу, оригинальное техно характерно четырьмя четвертями 1 2 3 4. Оно несколько быстрее чем хаус (126-130 BPM) и не всегда содержит диско-хлопки. Минимальное техно - просто ритм и чуть-чуть звука. Техно - крайность танцевальной музыки, которая имеет те же самые ритмические основы, что и другие виды хауса, но использует более интенсивный синтезаторные сэмплы. Существует множество вариаций на эту тему. Тяжелые версии, известные как рэйв и транс, более быстрые версии - габба (Голландский жанр).
Detroit Techno
Около 1987 года в Детройте - городе Motown и P-funk -были созданы футуристические направления музыки. DJ играли свою собственную музыку в клубах. Тогда это была различная музыка; теперь она звучит похоже. Эксперты говорят, что это - сплав американского P-funk и европейской синтезаторной музыки (New Order и Kraftwerk).
Фирменным ингредиентом детройтского техно является "голый" фанковый звук аналогового синтезатора, и, что самое главное, ухающий, долбящий ритм. Hикаких вокальных партий и подпевок. Однако, революционная вещь в детройтском техно - это наложение ритмов, почти полиморфическое. Хотя это - не формальная полиритмия как в африканской племенной барабанной музыке: детройткое техно - более простая музыка и часто использует трети вместо четвертей.
Три героя детройтского техно - это Juan Atkins, Kevin Saunderson и Derrick May. Последний из них наиболее ортодоксальный и героический. Derrick May написал, например, The Dance. Быстрые тарелки, нормальной скорости барабан (брэйк- бит), а также струнные и ритмическая тоновая линия. Ведущий `(b, сталкивается с другими как в ренессансной полиритмии. Juan Atkins все еще производит музыку, комбинируя ее с ритмом джангла. Kevin Saunderson был наиболее популярным в создании музыки на грани хауса.
Hardcore
Это страшной скорости музыка. Удары молотком по голове со скоростью от 150 до 220 ударов в минуту. Знатоки говорят, что если слушать такую музыку достаточно долго, возникает ощущение, что мир превратился в огромную бензопилу. Хардкор - это просто ускорение техно плюс фрагменты известных песен, которые в результате звучат так, будто кто-то переключил скорость проигрывателя с 33-х на 45 оборотов в минуту. Иногда кажется, что это просто старый добрый speed-metal, но с техно- битом в качестве подкладки. Hо это только кажется...
Trip-hop
Трип-хоп относится к нетанцевальной электронной музыке - во время основания этого стиля (1994) люди называли его танцем на стуле. Очень медленная, порой депрессивная музыка, ломанный ритм и весьма мрачные тексты - так звучит группа Portishead, слушая которую легче всего получить представление об этом стиле.
Так как темп был медлененным (ниже 120 ударов в минуту) было сказано, что это на подходит для танцпола. Тот кто слышал Bristol Sound, согласится с этим; но если вы причисляете Chemical Brothers к трип-хопу, то это совершенно не верно. Chemical Brothers - лучшая танцевальная музыка.
Bristol Sound
Специальное упоминания заслуживает трип-хоп из Бристоля: Massive Attack, Portishead и Tricky. Massive Attack были первыми в трип-хопе в 1991 году: замедленный бит, основанный на хип-хопе, комбинированным с рэгги и отличным звучанием. Популярным хитом была Unfinished Sympathy от Massive Attack.
Big beats / Siren Dance
Общая вещь этой музыки - специальное использование электроники, которая создает типичный звук. И очень тяжелый. Звучание "Jimi Hendrix", подобное сирене, объединенное с тяжелым брейк-битом. Это комбинация фанка хип-хопа, мощи рока и свинга хауса. Лучше танцевать чем слушать: никаких сирен на стуле, сирены на танцполе. Сирена - тревожный сигнал в тумане, а также соблазнительная женщина. Танец Сирены - большой шум. В журналах, обычно называется биг-битом или химическим битом.
Chemical beats
Сначала послушайте Leave Home - гимна биг-бита от основателей: Chemical Brothers (или как я их называю Братья Менделеевы). Вы слышите мощную басовую линию, отличную и от техно и от джангла, и брейк-бит 1 2 33 4 с акцентом на первом хлопке. Этот бит толкает вас к танцу; просто слушать надо что-то другое. Ритмы - более или менее трип-хоповые в использовании брейк-бита, происходящего из хип-хопа, James Brown и Meat Beat Manifesto. Этот трек - отправная точка нового жанра.
Jungle / Drum'n'bass
Ошеломляюще быстрая музыка с жутко сложным ритмом и сильно искореженной линией басовых инструментов. Почему "джунгли"? Эта музыка построена на ритме, а самый сложный ритм, как известно, водится в Африке.
Джангл появился в Лондоне. Он также называется драм-н-бассом, потому что барабан и бас очень характерны для этой музыки. Послушайте Timeless от Goldie - классический трек 1995 года: 21 минута музыки.
Барабан и бас вообще часто используется в танцевальной музыке, роке и поп-музыке. Так что название вероятно слишком общее, для того, чтобы именовать этот несколько высокомерный стиль. Также имеется третий элемент, который является характерным для драм-н-баса - это струнные.
Три ингридиента джангла.
Во-первых, струнные (не скрипки, а некоторый продолжительный электронный звук, который содержит также духовые инструменты). Слушайте L.T.J Bukem: он придал этим вступительным звукам несколько пасторальный характер. Это воздушно, ориентированно в пространство.
Далее - басовая линия. Она сильно отличается от прямого баса хауса. Чувствуется влияние регги. Басовая линия плывет. Она не качается, как в тяжелом клубном хаусе (габба или хардкор), а именно плывет.
Третий и наиболее явный элемент - барабан. Это - быстрый брейк- бит. Барабаны отличаются от хауса и скоростью и сэмплом. Хаус - 120 ударов в минуту, джангл - намного быстрее. Сэмпл хауса - 1 2 3 4, в то время как брейк-бит джангла - что-то вроде 1 2 33 4. Имеются дополнительные хлопки между 3 и 4. В большинстве треков, имеется только один ритм; если имеется больше, то громкий и быстрый брейк-бит джангла перекрывает другие. И все вместе в течение не менее семи минут. Добавим крики птиц. Также характерен один момент тишины, после которого звук снова продолжается. Это становится увлекательным как только вы привыкнете (что может потребовать некоторого времени).
Ambient
По-английски это слово значит нечто вроде "омывающий, обтекающий со всех сторон". Эмбиентная музыка сродни усыпляющему газу. Тихий шелест, писки, вздохи, гудки далеких тепловозов и взмахи крыльев летучих мышей. Hикаких барабанов и пения. Добавь сюда немного Pink Floydовского "Dark Side Of The Moon", приправленного всевозможными современными звуковыми эффектами и обработками. Для танцев не подходит. Это электронная экспериментальная музыка, идеальна для прослушивания дома.
Gabber
Габба - это музыкальный стиль, ставший очень популярным в последние пять лет в Голландии. Габба - это один из множества стилей, происходящий из того самого звука, родиной которого является Детройт. Большинство таких стилей основано на оригинальном звучании. Hапример мэллоу, хардкор, хардтранс и т.д. Габба - самый тяжелый из них. С глубоким басом, ухающем в очень большом темпе, очень частые хлопки и повторяющиеся сэмплы. Это одна из самых быстрых музык в мире на сегодня (более 200bpm). Множество людей приходит на грандиозные вечеринки насладиться музыкой и встретиться с другими любителями габбы, и не только в Голландии. Крупнейший организатор - "ID&T" проводит ежегодно множество габба-акций в Западной Европе. Хотите габбу - приезжайте в Европу.
Продолжая тему развития и становления электроакустических экспериментов человечества еще немного истории, вернее, некоторые поступательные движения во времени и упоминание о самых значительных изобретениях в области электричества и звука.
Итак, краткое перечисление наиболее значимых изобретений человечества за последние 130 лет, которые в той или иной мере способствовали и влияли на развитие электронной музыки на нашей планете.
1870 — первые электронные инструменты, использующие различную технику генерации звука "Telharmonium" и "Chorelcello" (William Duddell и Elisha Grey, США).
1876 — электромагнитный прибор с двумя октавами рояльной клавиатурыи встроенным громкоговорителем "Musical Telegraph" американского ученого Elisha Grey.
1897 — первый полноценный полифонический электронный многооктавный инструмент "Dynamophone/Telharmonium", огромная конструкция, использующая 145 модифицированных динамо-машин. В дальнейшем упрощенный вариант этих разработок был использован в известном органе "Hammond". (Thaddeus Cahill, США).
1888/1908 — электронный/электроакустический инструмент "Electric Organ", практически модифицированный измененный вариант проекта Telharmonium (Melvin Severy и его брат George B. Sinclair. США).
1899 — невероятные эксперименты с уличными газовыми фонарями, послужившие созданию "Singing Arc", прибор, управляющий изменением напряжения амплитудной и частотной характеристиками звука (William Du Bois Duddell, Франция).
1913/1922/1931 — "Intonorumori, Rumorarmonio" и "Enharmonic Piano". Создания итальянского художника футуриста и музыканта Luigi Russolo (совместно с Marinetti и Piatti), чьи технические и музыкальные творения продолжают влиять на многих композиторов и сегодня. Среди откровенных «плагиаторов» его творчества можно назвать Пьера Шафера (Pierre Schaefer), Джона Кейджа (John Cage) и Эдгара Варезе (Edgar Varese).
1915 — первый электромузыкальный инструмент на вакуумных лампах "Audion Piano", работающий по принципу гетеродин-частотной модуляции Lee De Forest, Франция).
1916 — первый электронно-оптический инструмент "Optophonic Piano", использующий технику закрашенных стеклянных дисков, зеркал, линз и фильтров (художник футурист, музыкант Дмитрий Баранов-Рощин, Украина/Россия/Франция)
1917/1932 "Rhythmicon", "Terpistone", "ThereminCello", "Theremin" (еще имел название Aetherophone). Фантастические изобретения русского ученого Льва Сергеевича Термена, основанные на принципе гетеродин-частотной модуляции.
1921/1930 — "Electrophon", "Spheraphon", "Partiturophon" и "Kaleidophon" (немецкий музыкант, специализирующийся на микротональнорй музыке Joerg Mager).
1926 — ламповый полифонический электромузыкальный интсрумент "Pianorad" (модифицированный "Staccatone"), который используется и сегодня(!) (Clyde Finch, Лаборатория Radio News, США).
1930 — первая электронная ритм-машина, созданная с применением разработок Льва Термена "Rhythmicon" или "Polyrhythmophone".
1930 — монофонический ламповый электронный инструмент с удлиненной клавиатурой, мог «говорить» подобие слов «мама» и «папа». (Николай Ананьев, Россия).
1931/1936 — "Radio Organ of a Trillion Tones", использовал технику вращения фото-электрических дисков и лучей света. В дальнейшем этот принцип получил название "Polytone" (A.Lesti и F. Sammis, США).
1932 — ламповый инструмент "Emiriton", созданный на основе Терменвокса (А.Иванов и А. Римский-Корсаков, Россия).
1935 — легендарный орган "Hammond". Уменьшенная и модифицированная конструкция аппарата Telharmonium (Laurens Hammond, США).
1939/1940 — первые приборы анализа и репроекции (ресинтеза) звука "Speech Synthesisers", "The Vocoder" и "Voder" (физик Homer Dudley, Bell Laboratories США).
Далее были Миланская Студия Электронной Музыки Лючано Берио (Luciano Berio), Московская Студия Электронной Музыки Евгения Мурзина, его именитый АНС; Роберт Муг (Robert Moog) и могучие Synclavier и Fairlight и так далее.
В конце 60-ых электромузыкальные инструменты, пожалуй, впервые становятся достоянием масс, другими словами, разработки из мира академической и экспериментальной музыки из авангардных выставочных залов и научно-исследовательских лабораторий звука малыми порциями начали просачиваться на сцену массовой музыкальной культуры. Среди первенцев, кто впервые использовал нетривиальные композиционные и технологические подходы электроакустических экспериментов в своем творчестве были многочисленные представители психоделических направлений и (внимание!) даже Beatles (White Album), Elton John (Elton John 1970). Сложно сказать почему именно «немузыкальная музыкальность» нашла применение в это время а не раньше; почему именно во времена «детей цветов» а не в эпоху джазового рассвета 50-ых… Об этом мы можем лишь гадать или же просто поговорить на эти темы с еще живыми звездами тех лет.
Если посмотреть на эту ситуацию с другой стороны, то можно сделать вывод, что психоделические музыкальные формы как раз и подразумевали уход от стандартных традиций и музыка многих проектов тоже была экспериментальной. Армия «электрического авангарда» стала расти на всей планете. Музыканты, начавшие применять элементы экспериментализма, работали в различных областях современной музыки. Это были рок коллективы и коммерческие вокально-инструментальные ансамбли, неудачники-одиночки и настоящие монстры как Филип Гласс (Philip Glass), Терри Райли (Terry Riley), Герберт Эмерт (Herbert Eimert). Тем не менее, как и академическая электроника, так и новоявленные революционеры в более коммерческих слоях музыкальной культуры не были и не стали широко известными и популярными.
Положение немного изменилось после появления на свет нескольких проектов стопроцентно электронных коллективов и отдельных исполнителей, которые посредством более доступных музыкальных форм как бы приблизили электронику к массовому слушателю. Хотя, в отличие от программной (популярной и легко усваиваемой музыки) спонтанные, абстрактные, глубокомысленные, философствующие и импровизационные формы музыкального искусства никогда не были и, пожалуй, не станут модными и очень популярными. Некая элитарность и ярлык «не для всех» был у этой музыки и ее многочисленных проявлениях почти всегда.
Я сам хорошо помню свое первое знакомство с этой «музыкой не для всех». Далекий 1976 или 75 год (уже точно не помню). Первый альбом «не такой» музыки у меня был "Timewind" Клауса Шульце. Конечно же, я и понятия не имел что из себя представляет синтезатор и как на нем можно играть. Это казалось абсолютно ирреальным и фантастическим. С другой стороны, то, что я слышал настолько отличалось от всего остального, что я даже не могу привести никаких сравнений.
Волны минимализма, спонтанной, авангардной, электроакустической и экспериментальной музыки не смогли вырасти до размеров цунами, не смогли сделать вторую культурную революцию и изменить вкусы потребителя почти в противоположную сторону. В популяризации современной электронной музыки большую роль сыграла Германия, непосредственно появление так называемой Берлинской Электронной Школы, или как ее называют в последнее время Традиционной Секвенсорной Музыки.
Нужно заметить, что 70-ые были плацдармом психоделических настроений в общемузыкальной культуре в целом. И появившиеся электронные проекты тоже не стали исключением. Иллюзорные, футуристические миры в равной степени проповедовали, как и арт роковые коллективы, так и электронные исполнители. И песни, и безвокальные произведения воспринимались как повествование, как рассказ, как настроенческие картины полные содержания, мысли и фантазии, которые рисовали нам иные миры, иные реальности и представления. Глобальный планетарный мистицизм и философствования на темы личности и общества звучали в рок операх и объемных электронных полотнах. Это было время, когда мир и люди были сложными, мыслящими фантазерами и безнадежными романтиками…
Электронная музыка постепенно перестала быть диковинкой и все больше и больше внедрялась в существующие привычные музыкальные формы. Ответвления и образующиеся производные от электроники стали воплощаться в более доступные для восприятия ритмы и гармонии: появлялись электро-поп проекты (Kraftwerk, Telex, Alphaville, Rockets…) и музыканты, которые стали эксплуатировать электронное оборудование в более простых и мягких формах (в большинстве случаев) — New Age и Space Music. При всем кажущемся рассвете электронной (да и просто «умной») музыки, казалось, что все только начинается, что эти первые ростки должны неизбежно развиваться и вырасти в могучее дерево. Увы. Чуда не произошло. В середине 70-ых музыкальная сцена резко отклоняется в сторону легкого красивого «диско», что, по всей видимости, повлияло и на многие серьезные жанры. Возможно, происходили и еще какие-то малообъяснимые вещи, которые в скором времени вызвали эффект некоего упрощения и ослабления занимаемых позиций многих интересных «странствующих рыцарей расширенного сознания». Слушая и сравнивая работы многочисленных рок коллективов, проектов и отдельных исполнителей-электронщиков, невольно приходишь к выводу, что 77/78 годы стали краеугольным камнем в музыкальной истории 20 века. Даже популярные и суперизвестные составы как Queen, Ten CC, UFO, Manfred Man’s Earth Band, Golden Earring, Rush, во общем многие, преодолев этот рубеж, пошли, как говорят, немного в другую сторону.
Мнения британских и американских музыковедов поддерживают точку зрения о глобальном изменении законов и требований шоу бизнеса в этот период, чем и объясняется это фактурно-интеллектуальное смещение песенно-музицирующих представителей во всех областях «умных жанров». За редким исключением, с этого момента, пожалуй, и начинается заметное облегчение смыслового и музыкального наполнения произведений. Тотальный спад глубинного давления в электронике начинается с опозданием всего лишь на пару лет.
Не нужно быть сверхзнатоком, чтобы не увидеть медленно уверенно развивающийся спад «настоящих миражей» того же Клауса Шульце или Tangerine Dream в начале 80-ых. То ли музыканты (включая и электронщиков) стали больше задумываться о финансовых прибылях, то ли в музыкальной среде возникло массовое желание бороться за каждого нового слушателя, которое воплощалось путем приближения музыки к этому самому слушателю…я не знаю точно, что же происходило на самом деле с этим многослойным музыкальным пирогом в то время. Но одно лишь можно утверждать однозначно — мир менялся.
Я не зря привожу пример именно на этих берлинских космических курьерах. Поскольку именно эти фигуры играли роль первой скрипки в электрической вселенной. Не будем детально ворошить все составляющие этих перемен. Давайте посмотрим на вещи немного проще. У ранних работ этих электрических динозавров в настоящее время есть миллионы поклонников и тысячи подражателей и продолжателей. Тот же Клаус Шульце по сей день получает одни и те же вопросы — будут ли еще «миражи» и «хрустальные озера», почему сегодня новый альбом маэстро не имеет абсолютно ничего общего с теми фантастическими коллажами и узорами, с теми ирреальными мирами, которые ОН рисовал в нашем воображении, с теми магически пульсирующими секвенсорными волнами, благодаря которым, собственно, он и стал «Шульцем»?..
Почему сегодня лично меня никак не волнует и не интересует ни последний, ни предпоследний альбом Tangerine Dream? Куда исчезла космическая суровая лирика аморфных самовыражений, экспериментальный дух той музыки, которую сегодня называют электронной классикой? Ведь «классики» живы!..
Vangelis утратил необузданный дух эксперименталиста, приближаясь к симфо-классическим структурам.
Klaus Schulze никак иначе поддался полному влиянию современных дискотечных колотушек и готов выпускать новые диски хоть каждый месяц.
Tangerine Dream превратился в полусемейный ансамбль электронных инструментов и выпускает качественный электронный поп.
Что дальше?
Долгое время я считал, что это Я чего-то не понимаю, что это Я в чем-то не прав в своих суждениях. Но многочисленные контакты и рассуждения на эти темы с коллегами из различных стран мира практически показали единость мнений по этому вопросу.
Со временем изменилась роль искусства в нашей жизни. А может быть изменилось само искусство? Рок музыканты больше не являются в роли неких проповедников, а электронщики перестали быть космическими посланниками космоса? Очевидно, да.
Техника тоже внесла свою «лепту» в этот «культурный переворот». Отдельную позицию в этом занимают компьютеры.
Тысячи музыкантов сегодня могут воспроизвести «фирменное» звучание любого из знаменитых органистов или барабанщиков — стоит лишь набрать нужный код. Поп-музыка перевернута вверх дном. Вполне вероятно, что на понравившейся вам пластинке звучит отнюдь не фортепиано, хотя вам кажется, что это фортепиано, а восторженные восклицания следует адресовать не барабанщику, а программисту. Он же скорее всего сделал и восхитившее вас гитарное соло: компьютерный оператор с начальным музыкальным образованием, имея соответствующую аппаратуру, вполне способен сделать хитовую пластинку — и многие делают. Приготовьтесь к шоку (если вы этого не знали): значительная часть мелодий из нынешних хит-парадов создана программистами. Способность синтезаторов копировать звучание инструментов и даже человеческого голоса сделала их необходимым атрибутом почти всех звукозаписывающих студий. Ведь любой звук — это всего лишь крупица информации, а «заряженный» информацией компьютер может сделать что угодно.
«Влияние технологии ощутили почти все, — говорит президент Американской федерации музыкантов. — Например, музыка к одному из недавних голливудских фильмов была целиком сочинена и исполнена компьютером. Все же будем надеяться, что это лишь причуда, которая не получит широкого распространения».
Сотни, тысячи, а может уже и миллионы доморощенных компьютерных композиторов-«мозаичников» насытили всемирную сеть интернета своими зачастую низкопробнейшими домашними поделками, начиная классической заканчивая урбанистической электроникой.
Примитивные и супермощные музыкальные компьютерные программы позволяют сегодня любому мало-мальски владеющему соответствующими навыками почувствовать себя творцом.
Как я уже неоднократно писал (и не только я), электронная музыка в сочетании с компьютерными возможностями уже сегодня превращается в завуалированного потенциально опасного героя нашего времени. «Мозаичная» музыка, собранная в недрах могучей машины на жестком диске при помощи специальных музыкальных программ вполне может быть конкурентоспособной на сегодняшнем рынке. И это уже не фантастика, а реалии.
В конце века кардинально изменились не только вкусы, но и как и в искусстве в целом, трансформировалась изначальная идеология творчества. На смену содержанию приходит форма. Сегодня вы редко услышите чтобы люди обсуждали какие-то прочитанные книги. Духовный мир человека конца 20 века как-то сузился, сжался а в отдельных случаях вообще перестал существовать. Слыша, видя и читая всевозможную рекламу обновленной России, создается впечатление, что сегодняшнему homo sapiens нужно только веселиться, все время что-то покупать, отдыхать, выигрывать… Неужели человек больше ни о чем не думает? Перестал мыслить и развиваться?
"Искажение временной реальности может стать способом придания ей ещё большей ритмической выразительности и экспрессии," — слова Андрея Тарковского из его работы "Высекание времени" (1986) являются одним из ключей к пониманию коктейля органической электроники и интеллектуальной мощи мятежа "неразумных" машин в звучании многих работ конца нашего века. Эмоционально мутирующий музыкальный мир на пороге третьего тысячелетия достиг немыслимых форм и размеров. Развитие высоких технологий в чем-то помогает субстанции под названием «музыка», но не будет неправдой сказать, что эти технологии очень сильно повлияли и нас самих, и на музыку в том числе…
Но искренне хочется верить, что несмотря на все это, человек все таки останется безупречным мечтателем и фантазером, превосходящим все мыслимые представления и все классифицированные пределы в музыке, существуя вне времени, вне пространства в роли творца, озаренного музыкой будущего.
Німеччина
____________________
Жорсткий хаус - музика дуже енергична. Особливо це відчувається, коли ти потрапляєш в один з нічних клубів Німеччини. Особо глобальних вечірок у Німеччині не буває, виключення -Love Parade. Основна маса молодих німцев та тих кому за 30, вибирають техно-клуби.
Ще одна гордість - це Paul Van Dyk. У 1999 англійскій журнал "DJ" нагородив Паула "Best Music Maker", признав його кращім навіть серед таких легенд вінила як Fatboy Slim & Paul Oakenfold.
США
____________________
Чому-то багато у Америці вважають, що якщо ти ди-джей та працюєш, у клубі, тоді обов`язково зв`язан з наротой. У США, як і у Европі клубів не багато, а період, коли клубний рух почав активно розвиватися, був вибух підросткової наркоманії. Та звичайно, склалося так що общінність почала думати - клуби та наркотики одне ціле. Це зовсім не так, але увесь народ не може цього зрозуміти.
У любому амерікансьому клубе вам гарантовано ночі беззупинного сенсаціонного електрозвучання з фантастичними зарядом енергії та оптімізма. Саме приємним в усім цім - ідеальне співвідношення мелодії та ритму.
Японія
_____________________
Японці люблять создавати експерементальню музику, з використанням новітних технологій. Японскі ді-джеї люблять робити перформанси. На блохастих ринках вони прикупляють для виступу різний антікваріат(чим екзотичніше тим краще) та аксесуари: від воєнних прожекторов до стареньких очків. Декотрим подобається виступати у одягі от Гучі та Суу-Чана. Останній, теж ді-джей.
Чуваки, каму не трудно, ответте. Я всю инфу не вычитывал. Не оч интересно для меня. Но хотелось бы узнать, к чему относится Music Instructor, Flying Steps и Planetfunk. Заранее спасибо.
Чуваки, каму не трудно, ответте. Я всю инфу не вычитывал. Не оч интересно для меня. Но хотелось бы узнать, к чему относится Music Instructor, Flying Steps и Planetfunk. Заранее спасибо.
Вы не можете начинать темы Вы не можете отвечать на сообщения Вы не можете редактировать свои сообщения Вы не можете удалять свои сообщения Вы не можете голосовать в опросах
FAQ
Поиск
Пользователи
Группы
Регистрация
Профиль
Войти и проверить личные сообщения
Вход
![[ скрыт ]](templates/zavsTest/images/lang_russian/icon_email.gif "[ скрыт ]"){kind=icon}
